nina chalot

En hommage à la rose et la porcelaine, matières qui lui sont chères et toutes deux originaires de Chine, le créateur de parfums Francis Kurkdjian imagine pour sa maison éponyme une installation artistique et olfactive révélée pour la première fois au grand public. Éclats de roses invite à suivre le voyage des pétales de porcelaine, fabriqués à la main et délicatement par fumés d’un parfum inédit composée par Francis Kurkdjian, qui s’envolent de la France jusqu’à la Chine et jusque dans une dimension numérique et onirique.

Katia et Marielle Labèque interprètent les suites pour deux pianos tirées des trois opéras d'après Cocteau composés par Philip Glass, dans une scénographie conçue par Nina Chalot, une direction artistique de Cyril Teste et une création d'accords parfumés par Francis Kurkdjian.

Étudiant auprès de Nadia Boulanger de 1964 à 1966, Phil Glass est francophile – et son amour de la culture française ne se limite pas à la musique. Après sa trilogie de portraits (Einstein, Gandhi et Akhenaton), il se tourne pour ses opéras vers l’œuvre de Jean Cocteau. C’est ainsi qu’il revisite le mythe d’Orphée ainsi que La Belle et la Bête. Il clôture sa trilogie avec Les Enfants terribles, roman à la fois tragique et effroyablement léger, au cours duquel deux enfants gagneront une liberté imaginaire et sans limite, entre les quatre murs de leur chambre. Des sujets que la musique chamarrée et infinie de Glass épouse à merveille, sous les doigts de Katia et Marielle Labèque. Une savante alchimie à laquelle contribue la délicate création d'accords parfumés par Francis Kurkdjian.

Oeuvre in-situ en béton incrusté, à la cité radieuse de Le Corbusier à Briey-en-Forêt.

On devine, dans la pratique créative de Nina Chalot, un élégant paradoxe. Mêlant action et fabrication, elle façonne en un tout harmonieux une matière insolite, à la fois virtuelle et concrète, à laquelle elle confère, dans une conception élargie du design, la consistance usuelle de l’objet fabriqué. « Comparée à la fugacité et à la fragilité de l’action humaine, explique Hannah Arendt, le monde édifié par la fabrication est d’une permanence durable et d’une immense solidité ». C’est à cette évanescence de l’action que s’attache généreusement Nina Chalot pour en transporter l’empreinte fugace dans l’univers solide de la fabrication.

Diplômée de l’École Nationale Supérieure de Création Industrielle, elle explore un champ problématique vaste, mais parfaitement défini, à la lisière de plusieurs disciplines. Son travail multiforme au contact de l’architecture, du théâtre, de la danse et de la mode, oscille entre le design et la scénographie : invention de procédés d’auto-construction en béton pour les habitants d’un quartier populaire au Venezuela, création de mobilier (avec Ronan et Erwan Bouroullec), de décors de théâtre et d’opéra (avec Ramy Fischler et Cyril Teste), de défilés pour Hermès, d’expositions… Par-delà la diversité de ses engagements, c’est notre relation contemporaine à la matière et à sa transformation que questionne Nina Chalot dans le flux de ses projets partagés, de ses résidences artistiques (New York, Vassivière), de ses ateliers d’enseignement... Attentive au réel ordinaire, elle semble donner corps à cette éthique héritée du Bauhaus permettant à l’artiste, selon les mots de Giulio Carlo Argan, de se construire à travers son expérience intime des choses « une façon lucide d’être au monde ».

Joseph Abram, Commissaire de l’exposition

Les façades de la Philharmonie, conçue par Jean Nouvel, sont recouvertes de nuées d’oiseaux d’aluminium aux formes et nuances variées. Et si ces oiseaux, parmi toutes les espèces qui transitent dans le parc de la Villette, prenaient vie et nous laissaient sur leur passage des mots, des sons ?

Cette expérience en réalité augmentée déploie le récit de leur cycle de vie saisonnier en trois chapitres. À travers le battement de leurs ailes et leur doux ballet, Les oiseaux de la Philharmonie nous invitent à prendre le temps. Le temps d’observer une danse dans le ciel, une symphonie naturelle et imperceptiblement familière. Les sons qui accompagnent leur vol encouragent l’imaginaire et composent une ornithologie onirique, révélée par l’univers graphique de l’application.

Nina Chalot et Cyril Teste, en étroite collaboration avec le Studio Blinkl et sur une création sonore originale du duo NOORG (Loïc Guénin et Éric Brochard), nous invitent à nous arrêter et à retrouver l’émerveillement face au poème que la nature nous offre chaque jour.

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Explorant la rareté des ressources-eaux comme celle de la rencontre, la Neuvième école propose We do not own the water, l’installation urbaine d’un objet fontaine, figure narrative d’une source perdue. L’eau n’a pas de circuit défini mais transpire à travers la matière, infuse en tout et cependant ne jaillit pas. C’est cette souveraineté, et son imprévisibilité, qu’incarne l’objet fontaine de la Neuvième école, fiction minérale, verticale et poreuse. Quelle conversation peut-on créer avec une eau que l’on ne gouverne pas ? En recherche d’une hospitalité radicale, et s’accordant avec la qualité fédératrice de l’eau, le collectif active cette fontaine à travers la mise en scène de gestes et de rencontres.

Entrez dans le panorama et partez à la rencontre d’artistes en devenir, d’artistes devenus. Que signifie être artiste aujourd’hui ? PANORAMA, c’est une invitation à parcourir le Théâtre de la Cité internationale et ses environs comme une table de montage cinématographique. Au fil des déplacements, séquence par séquence, lieu après lieu, c’est un documentaire inédit de ces jeunes artistes au travail qui se fabrique. Chaque séquence mène ainsi à une rencontre, tantôt fortuite, parfois distanciée, souvent intime ou invisible. Ces artistes, tous récemment diplômés d’écoles nationales d’art, y interrogent leur émergence au monde dans le temps du réel, dans un dialogue des pensées les plus intimes, dans les inspirations et les convictions qu’ils se partagent. Quelle que soit la discipline, la forme, le style, toutes ces propositions mélangent des univers singuliers et une vision commune de la création pour façonner un palimpseste géant, un chantier constamment en élaboration, qui résonne dans tout l’espace du Théâtre de la Cité internationale, intérieur et extérieur

Scénographie et collaboration à la direction artistique du défilé Hermès homme, hiver 2023.

Vidéo de la captation

La présence du four du XVIIIème en activité sur le territoire du Centre International d’Art et du Paysage positionne la boulangerie en interlocuteur principal pour de nombreux visiteurs. Il existe pour certains une opposition perçue entre d’une part un artisanat authentique et accessible et d’autre part un centre d’Art International.

Ancien animateur et éducateur, Benoit Brissot, gestionnaire de la «Pierre à pain», souhaite promouvoir une pratique de la boulangerie ouverte à plusieurs facettes : expérimentale, pédagogique et culturelle. Nous entammons avec lui une réflexion sur le positionnement et l'image de la boulangerie afin de valoriser ses nombreuses collaborations avec des artistes et d'inscrire durablement l'activité de la boulangerie en harmonie avec l'écosystème singulier de l'île de Vassivière.

Scénographie et collaboration à la direction artistique du défilé de la collection Hermès homme été 2022 .

Captation du défilé

Farooq est brodeur, originaire d’Afghanistan. Alors demandeur d’asile, lui vient l’idée de broder sur son sweatshirt le nom de sa ville d’origine: Kabul. Ce geste simple sonne comme un manifeste, un besoin de visibilité, d’existence. Par cette action, il détourne les vêtements touristiques aux noms des grandes capitales occidentales, inversant le modèle de valeurs.

Scénographie et collaboration à la direction artistique du défilé Hermès collection homme hiver 2022.

Vidéo de la captation live multicam

Les cinq films de la série “Sortis d’usine” sont construits autour d’objets du quotidien. Présents dans chaque instant de nos journées, ils sont tellement anodins qu’ils en deviennent presque invisibles. Pourtant, le processus de fabrication qui leur donne vie est fascinant.

Brique, enveloppe, balai brosse, trombone sont notre point de départ. Glânés au fil du temps, nous en avons formés des collections. Nous souhaitons les mettre en scène en réalisant de courts films montrant leur fabrication et leur variété de formes. Chaque objet est l’occasion d’aller à la rencontre d’une usine en France et d’en montrer son patrimoine humain et industriel.

À chaque typologie son histoire, et ses protagonistes : les ouvriers des usines, la matière, les outils, les machines, les objets.

Let’s start by saying that the electric scooter replaces walking, it does not replace cars. With the ambition of limitless self-freedom and unrestrained mobility, the user rides about without moving. Him and his vehicle temporary merge as a new entity. The scooter-man and scooter-woman translate in a urban frame of reference, in a regular and inert way. They accelerate as if they were free, but they are deprived of their movements. They go alone.
Some minor gestures remain. Absent gestures. We inventory this narrow and quiet vocabulary. We make it ours, in order to amplify and embody it through dance. Putting inertness in movement. Recovering liberty in these motionless moves. We will also evoke the invisible ballet of juicers. Those who pick-up and reload these endlessly abandoned objects, property of no one and potentially of anyone. Those who stack, move, replace. Those who work. Those on wich the system rides.

Alteration boutiques (retoucheries in France) are places of freedom. Working independently, alterationists craft ready-made clothing into unique garments. Their reach is unlimited. Their approach and dedication to these objects, often poorly serialised, make them precious. This process yields half-products, hems, overstitched below, sometimes ornamented, and open on top.

Retouches is a color gradient rug made from trousers scraps, collected from alterationists in the 18th, 19th and 20th arrondissements of Paris. It brings together unused fragments of trousers worn by the inhabitants of these neighbourhoods, revealing their individualities through fabrics, colors and formats. It also highlights some similarities: a certain prevalence of jeans and cold or dark colors.

Stools made by Karam Katerji as part of an integration programme for migrant artisans run by La Fabrique nomade association. Originally from Hasakah, Syria, Karam studied agricultural engineering at the University of Aleppo. After graduating, he opened a studio with his brother where they make agricultural machinery parts. He lives in France since 2016.

An expressive gallery of protagonists – merchants, auctioneers, experts, curators – unfolds through a collection of more than 300 documents. In order to understand their respective roles within the historical context, we are invited into their workplaces : Parisian art galleries, auction houses in Paris and Nice. The exhibition design immerses the visitor in these suggested universes, where archival documents become elements of the decor.

Set design for the play Opening Night, directed by Cyril Teste, based on the screenplay of John Cassavetes’ film.

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Based on the coexistence of stage and film images, the scenography offers a reflection about the relationship between truth and representation. It consists of an array of moving displays capable of suggesting both the characters’ imprisonment and the constant circulation of bodies within the in camera setting.

The Bettencourt Schueller Foundation presented the exhibit ‘Pour l’intelligence de la main’, curated by Alain Lardet. It was part of a major international exhibition ‘Homo Faber: Crafting a more human future’, celebrating European craftsmanship, organised by the Michelangelo Foundation and held at the Giorgio Cini Foundation in Venice. The exhibition design combined physical and virtual elements, bringing into question the relationship between artisanal craftsmanship and modernity. Visitors were invited to explore the objects physically and take immersive virtual reality journeys around artisans’ workshops. The exhibition’s display structure, built in raw earth blocks, was created by the Amàco studio and is a work of master craftsmanship in itself. It promotes ecologically responsible practices and showcases the bright future of artisanal crafts in an era of high technology.

Recherches autour de la production locale d’éléments architecturaux préfabriqués en béton et céramique destinés à la rénovation et à la construction de nouveaux logements, dans un quartier populaire de Los Teques, ville préfecture de l’état de Miranda, située au nord de Caracas. Ces éléments répondent au climat tropical, à la tradition plastique colorée et contrastée présente au Venezuela, aux moyens de productions en oeuvre sur place, et au plaisir de l’appropriation.

The exhibition Préfabriquer has been made accessible digitally. A virtual space coupled with an interface allows the visitor to browse the contents in their original space.

The Préfabriquer exhibition was successively presented at ENSCI-Les Ateliers and the Île-de-France Maison de l’architecture. It imagines a love story between industrial production and architecture, set up by concrete. The relationship is analysed through a series of pieces and formats – videos, sound interviews, books, printed images, exchange of letters, maps – and from different points of view – sociological, architectural, political, technical, personal.

1.001 Pages in a blue color gradient, bound into 5 books. Each page has been soaked in an ink bath, creating various effects and random compositions. The books were presented at the Watermill gala dinner themed around the Scheherazade’s One Thousand and One Nights.

Experimentations of forms with the ceramic material. Exercises with cutting of plates, modeling, creation of textures with different tools, slips and glazes.