nina chalot

En hommage à la rose et la porcelaine, matières qui lui sont chères et toutes deux originaires de Chine, le créateur de parfums Francis Kurkdjian imagine pour sa maison éponyme une installation artistique et olfactive révélée pour la première fois au grand public. Éclats de roses invite à suivre le voyage des pétales de porcelaine, fabriqués à la main et délicatement par fumés d’un parfum inédit composée par Francis Kurkdjian, qui s’envolent de la France jusqu’à la Chine et jusque dans une dimension numérique et onirique.

Katia et Marielle Labèque interprètent les suites pour deux pianos tirées des trois opéras d'après Cocteau composés par Philip Glass, dans une scénographie conçue par Nina Chalot, une direction artistique de Cyril Teste et une création d'accords parfumés par Francis Kurkdjian.

Étudiant auprès de Nadia Boulanger de 1964 à 1966, Phil Glass est francophile – et son amour de la culture française ne se limite pas à la musique. Après sa trilogie de portraits (Einstein, Gandhi et Akhenaton), il se tourne pour ses opéras vers l’œuvre de Jean Cocteau. C’est ainsi qu’il revisite le mythe d’Orphée ainsi que La Belle et la Bête. Il clôture sa trilogie avec Les Enfants terribles, roman à la fois tragique et effroyablement léger, au cours duquel deux enfants gagneront une liberté imaginaire et sans limite, entre les quatre murs de leur chambre. Des sujets que la musique chamarrée et infinie de Glass épouse à merveille, sous les doigts de Katia et Marielle Labèque. Une savante alchimie à laquelle contribue la délicate création d'accords parfumés par Francis Kurkdjian.

Oeuvre in-situ en béton incrusté, à la cité radieuse de Le Corbusier à Briey-en-Forêt.

On devine, dans la pratique créative de Nina Chalot, un élégant paradoxe. Mêlant action et fabrication, elle façonne en un tout harmonieux une matière insolite, à la fois virtuelle et concrète, à laquelle elle confère, dans une conception élargie du design, la consistance usuelle de l’objet fabriqué. « Comparée à la fugacité et à la fragilité de l’action humaine, explique Hannah Arendt, le monde édifié par la fabrication est d’une permanence durable et d’une immense solidité ». C’est à cette évanescence de l’action que s’attache généreusement Nina Chalot pour en transporter l’empreinte fugace dans l’univers solide de la fabrication.

Diplômée de l’École Nationale Supérieure de Création Industrielle, elle explore un champ problématique vaste, mais parfaitement défini, à la lisière de plusieurs disciplines. Son travail multiforme au contact de l’architecture, du théâtre, de la danse et de la mode, oscille entre le design et la scénographie : invention de procédés d’auto-construction en béton pour les habitants d’un quartier populaire au Venezuela, création de mobilier (avec Ronan et Erwan Bouroullec), de décors de théâtre et d’opéra (avec Ramy Fischler et Cyril Teste), de défilés pour Hermès, d’expositions… Par-delà la diversité de ses engagements, c’est notre relation contemporaine à la matière et à sa transformation que questionne Nina Chalot dans le flux de ses projets partagés, de ses résidences artistiques (New York, Vassivière), de ses ateliers d’enseignement... Attentive au réel ordinaire, elle semble donner corps à cette éthique héritée du Bauhaus permettant à l’artiste, selon les mots de Giulio Carlo Argan, de se construire à travers son expérience intime des choses « une façon lucide d’être au monde ».

Joseph Abram, Commissaire de l’exposition

Les façades de la Philharmonie, conçue par Jean Nouvel, sont recouvertes de nuées d’oiseaux d’aluminium aux formes et nuances variées. Et si ces oiseaux, parmi toutes les espèces qui transitent dans le parc de la Villette, prenaient vie et nous laissaient sur leur passage des mots, des sons ?

Cette expérience en réalité augmentée déploie le récit de leur cycle de vie saisonnier en trois chapitres. À travers le battement de leurs ailes et leur doux ballet, Les oiseaux de la Philharmonie nous invitent à prendre le temps. Le temps d’observer une danse dans le ciel, une symphonie naturelle et imperceptiblement familière. Les sons qui accompagnent leur vol encouragent l’imaginaire et composent une ornithologie onirique, révélée par l’univers graphique de l’application.

Nina Chalot et Cyril Teste, en étroite collaboration avec le Studio Blinkl et sur une création sonore originale du duo NOORG (Loïc Guénin et Éric Brochard), nous invitent à nous arrêter et à retrouver l’émerveillement face au poème que la nature nous offre chaque jour.

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Explorant la rareté des ressources-eaux comme celle de la rencontre, la Neuvième école propose We do not own the water, l’installation urbaine d’un objet fontaine, figure narrative d’une source perdue. L’eau n’a pas de circuit défini mais transpire à travers la matière, infuse en tout et cependant ne jaillit pas. C’est cette souveraineté, et son imprévisibilité, qu’incarne l’objet fontaine de la Neuvième école, fiction minérale, verticale et poreuse. Quelle conversation peut-on créer avec une eau que l’on ne gouverne pas ? En recherche d’une hospitalité radicale, et s’accordant avec la qualité fédératrice de l’eau, le collectif active cette fontaine à travers la mise en scène de gestes et de rencontres.

Entrez dans le panorama et partez à la rencontre d’artistes en devenir, d’artistes devenus. Que signifie être artiste aujourd’hui ? PANORAMA, c’est une invitation à parcourir le Théâtre de la Cité internationale et ses environs comme une table de montage cinématographique. Au fil des déplacements, séquence par séquence, lieu après lieu, c’est un documentaire inédit de ces jeunes artistes au travail qui se fabrique. Chaque séquence mène ainsi à une rencontre, tantôt fortuite, parfois distanciée, souvent intime ou invisible. Ces artistes, tous récemment diplômés d’écoles nationales d’art, y interrogent leur émergence au monde dans le temps du réel, dans un dialogue des pensées les plus intimes, dans les inspirations et les convictions qu’ils se partagent. Quelle que soit la discipline, la forme, le style, toutes ces propositions mélangent des univers singuliers et une vision commune de la création pour façonner un palimpseste géant, un chantier constamment en élaboration, qui résonne dans tout l’espace du Théâtre de la Cité internationale, intérieur et extérieur

Scénographie et collaboration à la direction artistique du défilé Hermès homme, hiver 2023.

Vidéo de la captation

La présence du four du XVIIIème en activité sur le territoire du Centre International d’Art et du Paysage positionne la boulangerie en interlocuteur principal pour de nombreux visiteurs. Il existe pour certains une opposition perçue entre d’une part un artisanat authentique et accessible et d’autre part un centre d’Art International.

Ancien animateur et éducateur, Benoit Brissot, gestionnaire de la «Pierre à pain», souhaite promouvoir une pratique de la boulangerie ouverte à plusieurs facettes : expérimentale, pédagogique et culturelle. Nous entammons avec lui une réflexion sur le positionnement et l'image de la boulangerie afin de valoriser ses nombreuses collaborations avec des artistes et d'inscrire durablement l'activité de la boulangerie en harmonie avec l'écosystème singulier de l'île de Vassivière.

Scénographie et collaboration à la direction artistique du défilé de la collection Hermès homme été 2022 .

Captation du défilé

Farooq est brodeur, originaire d’Afghanistan. Alors demandeur d’asile, lui vient l’idée de broder sur son sweatshirt le nom de sa ville d’origine: Kabul. Ce geste simple sonne comme un manifeste, un besoin de visibilité, d’existence. Par cette action, il détourne les vêtements touristiques aux noms des grandes capitales occidentales, inversant le modèle de valeurs.

Scénographie et collaboration à la direction artistique du défilé Hermès collection homme hiver 2022.

Vidéo de la captation live multicam

Les cinq films de la série “Sortis d’usine” sont construits autour d’objets du quotidien. Présents dans chaque instant de nos journées, ils sont tellement anodins qu’ils en deviennent presque invisibles. Pourtant, le processus de fabrication qui leur donne vie est fascinant.

Brique, enveloppe, balai brosse, trombone sont notre point de départ. Glânés au fil du temps, nous en avons formés des collections. Nous souhaitons les mettre en scène en réalisant de courts films montrant leur fabrication et leur variété de formes. Chaque objet est l’occasion d’aller à la rencontre d’une usine en France et d’en montrer son patrimoine humain et industriel.

À chaque typologie son histoire, et ses protagonistes : les ouvriers des usines, la matière, les outils, les machines, les objets.

La trottinette électrique remplace la marche, mais elle ne remplace pas la voiture. Sous couvert de liberté individuelle sans limite et de mobilité extrême et débridée, l’usager se déplace sans mouvement. Lui et son véhicule fusionnent temporairement en une nouvelle entité. L’homme-trottinette et la femme-trottinette se déplacent par translation dans le référentiel ville, de manière uniforme et inerte. Ils accélèrent comme s’ils étaient libres, mais ils ne font pas un geste, ils sont privés de mouvement. Ils vont seuls. Quelques gestes infimes subsistent tout de même. Des gestes absents. Nous inventorions ce vocabulaire étroit et silencieux. Il nous faut l’approprier, l’amplifier et le réincarner dans la danse. Déplacer l’inertie. Retrouver de la liberté dans ces mouvements immobiles.

Les retoucheries sont des espaces de liberté : indépendants, les retoucheurs et retoucheuses travaillent les vêtements standards pour les faire devenir uniques. Leur domaine d’action est infini. Leur regard et l’attention portée à ces objets en série, parfois de mauvaise facture, les fait devenir précieux. Il en résulte des semi-produits, ourlets et surpiqués par le bas, parfois présentant un élément d’ornementation, et ouverts par le haut.

Retouches est un tapis en dégradé réalisé à partir de chutes de bas de pantalons glanés dans les boutiques de retouches des 18^ème, 19^ème et 20^ème arrondissements de Paris. Il réunit les fragments non utilisés de pantalons portés par les habitants de ces quartiers et en révèle les individualités au travers des matières, des couleurs et des formats. Il met aussi en avant des similarités : la prédominance du jean, des couleurs plutôt froides et sombres.

Tabourets réalisés par Karam Katerji dans la cadre du programme d’insertion d’artisans migrants de l’association La Fabrique nomade.

Originaire de Hassaka en Syrie, pays de terres agricoles, Karam étudie à l’université d’Alep pour devenir ingénieur agronome. De retour dans sa ville d’origine après ses études, il ouvre un atelier avec son frère de fabrication de pièces de machines agricoles. Il vit en France depuis 2016.

À travers plus de 300 documents se déploie une galerie éloquente de protagonistes, qu’ils soient marchands, commissaires-priseurs, experts ou bien encore conservateurs de musées. Pour bien comprendre le rôle de chacun dans le contexte historique, on entre dans le lieu de leurs agissements : galeries d’art parisiennes, salles de ventes aux enchères à Paris mais également à Nice. La scénographie immerge le visiteur dans ces univers suggérés, où les documents d’archives prennent le rôle d’élément du décor.

Scénographie pour la pièce de théâtre Opening Night mise en scène par Cyril Teste, d’après le scénario du film de John Cassavetes.

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Fondée sur la coexistence d’images filmiques et scéniques, la scénographie entend ouvrir une réflexion sur l’articulation entre vérité et représentation. Elle consiste en un dispositif d’écrans en mouvement capable tout à la fois de suggérer l’enfermement des personnages et la circulation permanente des corps à l’intérieur du huis-clos.

La Fondation Bettencourt Schueller présente l’exposition « Pour l’intelligence de la main» dont le commissariat est assuré par Alain Lardet dans le cadre de l’exposition internationale dédiée aux métiers d’art européens «Homo Faber, crafting a human future» organisée par la fondation Michelangelo à la fondation Giorgio Cini à Venise. La scénographie propose un parcours à la fois physique et virtuel qui questionne le rapport entre l’artisanat d’art et la modernité. Elle est conçue en deux temps : une découverte physique des œuvres et une immersion virtuelle dans les ateliers d’artisans d’art. Cette installation, composée de murs en terre crue réalisés par l’atelier d’Amàco, est une prouesse artisanale. Elle valorise le développement de pratiques éco-responsables et met en exergue l’avenir des métiers d’art au temps de la technologie.

Recherches autour de la production locale d’éléments architecturaux préfabriqués en béton et céramique destinés à la rénovation et à la construction de nouveaux logements, dans un quartier populaire de Los Teques, ville préfecture de l’état de Miranda, située au nord de Caracas. Ces éléments répondent au climat tropical, à la tradition plastique colorée et contrastée présente au Venezuela, aux moyens de productions en oeuvre sur place, et au plaisir de l’appropriation.

L’exposition présentée à l’ENSCI-Les Ateliers puis à la maison de l’architecture d’Île de France fait l’hypothèse d’une histoire d’amour entre la fabrication industrielle et l’architecture, dont l’entremetteur serait le béton. Elle questionne cette relation via une série de pièces de formes – vidéos, interview sonore, livres, images imprimées, échange épistolaire, carte – et sous des points de vue – sociologique, architectural, politique, technique, personnel – à chaque fois différents.

1001 Pages en dégradé de bleus, reliées en 5 livres. Chaque page est trempée dans un bain d’encre, créant différents effets et compositions aléatoires. Ces livres ont été présentés lors de la soirée de gala Watermill dont le thème était les 1001 nuits de Shéhérazade.

Expérimentations formelles avec le matériau céramique. Travail de découpe de plaques, de modelage, de textures avec divers outils, engobes et émaux.